Музей ар-деко в Москве (часть 1)

Недалеко от Лужнецкой набережной, в одном из зданий краснокирпичного квартала конца XIX века, где до Первой мировой войны успешно действовала фармацевтическая фабрика Фридриха Байера, в 2014 году открылся музей "Ар деко". Музей частный. В его основе - коллекция предпринимателя Мкртича Окроевича Окрояна. Это более 800 скульптур, а также графика и предметы интерьера в стиле ар-нуво и ар-деко.

Автор: Админ

Музейный зал небольшой. Здесь намеренно придерживаются кабинетного принципа, чтобы скульптура жила в той же атмосфере, что и в период ар-деко. Здесь нет стеклянных витрин, ничто не мешает рассматривать статуэтками так близко, насколько зрителю позволяет воспитание. Из-за этой близости лица девушек из слоновой кости кажутся странно живыми. Выражение их глаз, изгиб губ меняется в зависимости от освещения и от того, с какого ракурса вы на них сморите. Поэтому не удивляйтеcm, если вам почудится, что какая-то из статуэток моргнёт или улыбнется.

Автор: Админ

Стилю ар-деко предшествовал ар-нуво, отголоски которого легко просматриваются в предметах искусства 1920-1930-х годов. Поэтому в музее посчитали логичным показать в одном зале предметы сразу двух стилей, и начать рассказ с ар-нуво.

Стиль ар-нуво, возникший на рубеже XIX-XX веков, изменил привычные вещи до неузнаваемости. Это был новый художественный язык, сложный и эклектичный, причудливый и прекрасный. Захватив всю Европу, в каждой стране ар-нуво приобрел национальные особенности, и, возможно, поэтому именовался везде по-разному. Если во Франции это был ар-нуво, то в Англии и России - модерн, в Италии - либерти, в Германии - югендштиль. в Австрии использовался термин сецессион, по названию группы Sezession, созданной в 1897 году в Вене. В Шотландии - макинтош, по фамилии архитектора Чарльза Ренни Макинтош, работавшего в стиле ар-нуво. В эти же годы за пределами Европы, в США, американский художник и дизайнер Луис Комфорт Тиффани создавал изделия, основываясь на той же художественной философии, что и европейцы, поэтому ар-нуво по-американски стал называться просто - стиль Тиффани.

Объединяющей стилистической особенностью ар-нуво стал отказ от прямых линий в пользу плавного движения изогнутых линий. Фирменным знаком ар-нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста "Удар бича" 1895 года.

Автор: Админ

"Удар бича" на несколько десятилетий завладел умами и душами европейских художников. Эту линию можно увидеть практически в любой работе в стиле ар-нуво, будь то картина или предмет интерьера. За примером не надо далеко ходить. Достаточно взглянуть на скромно стоящую у стены витрину Эмиля Галле

Автор: Админ

Стеклянная дверца шкафа украшена манерно изогнутым колосом пшеницы - той самой линией "удар бича". Витрина выполнена из орехового дерева и бронзы в технике маркетри - мозаики из разных пород дерева, которые наклеивают на основу. Для украшения мебели Галле, кроме вставок из экзотических пород дерева, использовал отделочные и полудрагоценные камни, из которых составлял не только растительные узоры, но и строки из стихов Вийона, Бодлера, Верлена. За это его мебель стали называть "говорящей" (meubles parlantes).

Производством мебели Эмиль Галле занялся только в конце 1880-х годов. К этому моменту он уже успел прославиться изделиями из многослойного стекла, которые впоследствии стали называть по имени мастера - "галле". При создании своих знаменитых ваз он пользовался техникой "лунного света", заключавшейся в постепенном введении в состав стекла оксидов кобальта, из-за чего оно приобретало оттенок от светло-голубого до фиолетово-красного. В дополнение к "лунному свету" шли и другие методы работы с горячей массой: мастер вводил в фактуру фольгу, пузырьки воздуха и нарочитые трещинки.

"Ваза с васильками" Эмиля Галле, 1879 г.

Автор: Админ

Через вазы Эмиль Галле пришел к работе с деревом. И произошло это отчасти случайно. В поисках материала для постамента к одной из своих ваз он заглянул в магазин торговца редкими породами древесины. И здесь для него открылся новый мир, где красота дерева, по его мнению, была сравнима с красотой драгоценных камней. Так, в возрасте 38 лет известный мастер стеклянных и керамических ваз вступил на новую творческую стезю, открыв свое мебельное производство.

Одна из особенностей стиля ар-нуво - стремление к художественному единству всех элементов предметно-пространственной среды. Если говорить об архитектуре, то построенные в стиле ар-нуво особняки продумывались в едином стиле, начиная от общего облика строения и заканчивая декором дверной ручки. Более того, бельгийских мастер модерна Хенри Клеменс Ван де Вельде, построивший для себя особняк "Блуменверф", не только спроектировал все элементы интерьера, но и разработал эскизы одежды для всей семьи.

Архитектурные памятники ар-нуво сохранились во всех странах мира. Россия - не исключение. Если говорить о Москве, то за примером не надо далеко ходить. Взгляните на мраморную лестницу-волну в холе бывшего особняка Рябушинского по проекту Шехтеля.

Автор: Админ

В особняк Рябушинского мы обязательно заглянем, но немного позже.

Что еще нам надо знать об ар-нуво? То, что главный мотив стиля - это цветы. Ими украшали любые части интерьера, ткани, витражи, ювелирные изделия, и, конечно же, они появлялись на картинах. В это же время стали популярны японские мотивы, но не копированные, а переработанные на европейский манер.

В музее одну из стен украшает плакат одного из ярких представителей стиля ар-нуво Альфонса Мухи.

Рекламный плакат туристического агентства "West end Review" Альфонса Мухи, 1898 г.

Автор: Админ

На плакате преобладает графическое начало. Силуэт женщины обведен жирной линией, четким контуром прорисованы складки одежды. Художник не использует оттенки, вместо них - локальная заливка красным. Примечателен и образ женщины, распространенный в эпоху ар-нуво - длинноволосая, пышнотелая, монументальная.

Всё кардинально меняется после Первой мировой войны. Общество 1920-1930-х живет в новых экономических, политических и социальных условиях. Женщины не только избавились от корсета, отрезали волосы и стали по-другому одеваться, они думают и чувствуют по-новому - изменился их мир. Так изобразил свою современницу австрийский скульптор, работавший в стиле ар-деко, Бруно Зак.

Статуэтка "Наездница", Бруно Зака

Автор: Админ

Скульптура - реальный образ молодой наездницы того времени, облаченной в мужской наряд. Вместо корсета и женского седла на ней краги для верховой езды и кепи. Небрежно натягивая перчатки, она с усмешкой смотрит на окружающих. Героини Зака - это свободные, эмансипированные и решительные дамы. Такими художник представляет современных женщин.

Другие образы современниц у Жерара Риго.

"Девушка", Жерар Риго

Автор: Админ

"Девушка с теннисной ракеткой", Жерар Риго

Автор: Админ

Обе модели одеты по моде того времени. Удлиненный, с заниженной линией талии силуэт платья подчеркивает худощавость фигуры. Женщины предпочитают минимум украшений, короткие стрижки и миниатюрные шляпки "клош" (от французского cloche - "колокольчик"). Теннисная ракетка в руках у модели не случайна. Эмансипация после Первой мировой войны дошла до того, что в женском гардеробе не только появились мужские аксессуары - слабый пол перенял мужские привычки: курение, употребление алкоголя и …спорт. Аристократия отдавала предпочтение тем видам спорта, которые позволяли вращаться в кругу себе подобных - альпинизм, гольф и теннис.

Французской любимицей тех лет стала Сюзанн Ленглен - теннисистка, впервые выигравшая соревнования в Уимблдоне в 1919 году. В 1920 году она стала двукратной олимпийской чемпионкой, и в целом за свою спортивную карьеру более 30 раз становилась призером турниров серии Большого шлема.

Популярность спорта в конце 1920-х годов выросла во всех слоях населения, что отразилось в работах художников. Ведущий мастер немецкого течения ар-деко Фердинанд Прайсс создал серию "Олимпийцы", представляющую одетых в спортивную одежду молодых людей, играющих в теннис, гольф и метающих копья.

"Теннисистка", Фердинанд Прайсс

Автор: Админ

"Метательница копья", Фердинанд Прайсс

Автор: Админ

Прайсс со своим компаньоном Артуром Касслером открыли в Берлине небольшой цех Workshop for Ivory and Art, где Касслер занимал пост финансового директора, а Прайсс решал все художественные вопросы. Ему в создании скульптур отводилась важная функция дорабатывать самые мелкие части фигурок - лица, руки с ноготками и волосы. Для такой ювелирной работы Прайсс использовал… бормашину.

1930-е годы - время, когда в Германии, как и в СССР, на подъеме был культ здорового, атлетического тела. Здесь самое время вспомнить об Олимпиаде 1936 года в Берлине и документальный фильм Лени Рифеншталь "Олимпия". Некоторые статуэтки Прайсса лепились с тогдашних олимпийских чемпионок и чемпионов.

Рядом с фигурками спортсменов - образы героинь в облегающих нарядах эпохи джаза, шимми и чарльстона. Как и в случае с олимпийцами, эти работы вдохновлены конкретными персонами - танцовщицами парижского кабаре "Фоли Бержер". Они были настолько популярны, что в 1928 году американский Vogue посвятил им целую статью.

"Танцовщица чарльстона", Фердинанд Прайсс

Автор: Админ

"Балансировка", Фердинанд Прайсс

Автор: Админ

Здесь следует уточнить, что хотя пик популярности ар-деко приходится на период с 1925 по 1935 годы, сам стиль сложился уже к 1910 году. В 1925 году в Париже "Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств", в которой приняли участие художники из Японии и практически из всех европейских государств (кроме Германии). Сокращенное название выставки дало жизнь термину "ар-деко", хотя были и альтернативные названия - "стиль джаз", "зигзаг модерн", "стиль Пуаре" и т.д.

Разумеется, стиль ар-деко повлиял и на архитектуру. И если в России этот период был не так ярок, как предшествовавшие модерн и конструктивизм с последующим сталинским ампиром, то, к примеру, в США появились здания, ставшие на долгие годы олицетворением духа страны. Прежде всего, речь о Крайслер-билдинг в Нью-Йорке. В оформлении построенного в 1928-1930 годы небоскреба, есть элементы, трактованные именно под ар-деко.

Автор: Админ

Автор: Админ

Помимо наследия ар-нуво, художники ар-деко проявляли интерес к искусству Древнего Египта, что связано с раскопками в Фивах и открытием гробницы Тутанхамона в 1922 году. В целом, их интересовала любая не европейская экзотика, в ней они черпали новые художественные идеи, часто настолько переработанные, что увидеть в них первоисточник и прототип практически нереально. В моду входит даже мебель в "египетском стиле".

Кабинет работы Андре Арбю

Автор: Админ

Отсюда же берет начало тема восточного танца в живописи и скульптуре. В музее собраны статуэтки разных авторов, но все они изображают восточных цариц или танцовщиц.

"Фивская танцовщица", Клер Жак Робер Колине

Автор: Админ

Фрагмент статуэтки поближе, на котором видно, что художник стилизует украшение танцовщицы под египетские:

Автор: Админ

У ног "Танцовщицы из Анкары" Клера Колине замерла кобра, которую художники ар-деко тоже сделали эдаким символом стиля, символизирующим таинственный Восток.

Автор: Админ

Отдельного разговора заслуживают статуэтки Дмитрия Чипаруса. О них я расскажу отдельно, а сейчас остановимся на плиссированной юбке его скульптуры "Аюта". Как и другие детали нарядов статуэток Чипаруса, юбка появляется здесь неспроста. В 1920-х годах плиссе ассоциировалось с древней Грецией и древним Египтом.

Автор: Админ

Более того, испанский художник Мариано Фортуни, который помимо живописи занимался дизайном одежды, заново открыл так называемое "дельфийское платье" или "дельфос" - длинное плиссированное шёлковое платье в античном стиле, подчёркивающее линии тела. Среди его заказчиц были Сара Бернар и Айседора Дункан.

Автор: Админ

Еще одним мощным источником вдохновения художников ар-деко стал русский балет. Начиная с 1909 года и вплоть до 1929 года, в Европе проходили дягилевские "Русские сезоны". К работе над спектаклями Сергей Дягилев привлекал не только лучших русских танцоров того времени - Вацлава Нежинского, Анну Павлову, Иду Рубинштейн, Михаила и Веру Фокиных, Тамару Карсавину, но и величайших мастеров декораций и сценических костюмов, таких как Бакст, Бенуа, Серов, Ларионов, а также зарубежных звезды - Пикассо и Матисса. Европейцы были потрясены оригинальностью и смелостью декоративных решений дягилевских антреприз.

В 1910 году был поставлен один из самых известных балетов "Русских сезонов" "Шахерезада".

Программа к балету "Шехерезада", рисунок Леона Бакста

Автор: Админ

В разные годы ведущую партию Зобеиды исполняли звезды балетной трупы - Ида Рубинштейн, Вера Фокина и Тамара Карсавина. По словам свидетеля премьеры, художественного критика Якова Тугенхольда, французы разразились аплодисментами, когда только был поднят занавес, и они увидели декорации. Такое ни разу не случалось за всю историю французского театра и французского балета.

Сценарий балета по мотивам арабских сказок на музыку Римского-Корсакого был создан Михаилом Фокиным. О костюмах, придуманных для балета Леоном Бакстом, Яков Тугенхольд писал: "Костюмы Шахерезады - это поистине шедевры: здесь что ни деталь, то красота, и красота какая-то особенная, утонченная, пряная и чувственная, какую можно видеть лишь у Бакста. Особенно удачен костюм Зобеиды с ее длинными, дикими и страшными шароварами, символизирующими ее жестокое, как жало пчелы, сладострастие".

Вера и Михаил Фокины в балете "Шехерезада", 1914 год, Париж

Автор: Админ

Одни мастера ар-деко дословно цитировали балетные образы, другие же рассматривали их как основу своих фантазий. Пример цитирования - скульптура Пьера Лореля "Шахерезада". Работа Лореля в деталях воспроизводит костюм, созданный Бакстом.

Автор: Админ

Балет был настолько популярен, что парижские модницы, подражая героиням "Шехеразады", немедленно надели шаровары, тюрбаны и длинные бусы. "Русские сезоны" ввели моду не только на Восток, но и на все русское. В журнале Vogue за 1925 году была опубликована статья, в которой рассказывалось о русской культуре, объясняли публике кто такие бояре, что такое кокошник и как его можно и должно носить современной моднице.

"Русский крестьянский танец", Дмитрий Чипарус

Автор: Админ

Интерес модной публики к русскому иногда проявлялся весьма неожиданным образом. На одной из выставок начала XX века была представлена русская борзая, поразившая европейцев, а следом и американцев, своей грацией. И вот уже в 1920-х годах модные девушки выбирали своим аксессуаром борзую. Собака с вытянутым изогнутым экстерьером должна была подчеркнуть элегантность своей хозяйки. Как, например, демонстрировала звезда немого кино Теда Бара.

Звезда немого кино Теда Бара с русской борзой, 1920-е годы

Автор: Админ

Этот же модный живой атрибут представлен в работах Отто Пёрцель "Аристократы" и Дмитрия Чипаруса "Друзья навеки"

Автор: Админ

Автор: Админ

По словам искусствоведов, на работы мастеров ар-деко оказал влияние и стиль авангард. Но авангард, в особенности аналитический кубизм Пабло Пикассо и Жоржа Брака, активно развивающийся в начале XX века, органично вплетен в декоративно-прикладные предметы интерьера, к которым относятся, к примеру, вот эти часы.

Автор: Админ

Или постаменты некоторых музейных скульптур. Такие постаменты, занимающие значительную часть по высоте и объему, становились значимой частью всего художественного образа.

"Танцующая пара", Лоран Эли

Автор: Админ

Суть кубистического метода состоит в том, чтобы показать предмет сразу с нескольких ракурсов, из-за чего форма объекта как бы дробится. Глядя на постамент, мы видим декоративную переработку авангардного течения кубизма, те же дробящиеся, наложенные друг на друга многоугольники охристых, коричневатых оттенков.

Небольшая, но привлекающая к себе внимание группа скульптурных миниатюр на комоде, принадлежит австрийскому мастеру Герде Готтштайн, работавшей под псевдонимом Гердаго. Она прожила 97 лет, и, будучи художником по костюмам в театре и кино, успела поработать с разными стилях в одежде. Ей принадлежат модели роскошных бальных платьев для Роми Шнайдер в фильмах об императрице Сисси. Но это было в середине 1950-х, а в 1920-х годах у Гердаго был совсем иной взгляд на тему моды, о чём она поведала, создав эти бронзовые, покрытые яркой эмалью фигурки. Огромные, не конструктивные головные уборы, которые невозможно было бы носить, рукава с раструбами, шаровары и многослойность - вот они модные атрибуты предполагаемого будущего от Гердаго двадцатых годов.

"Серебряная танцовщица", работа скульптора Гердаго

Автор: Админ

Помимо скульптур и мебели, в музее есть несколько декоративных панно. Одно из них - "Охота" - выполнено в 1935 французским мастером Жаном Дюнаном для курительного салона французского океанского лайнера "Нормандия". Если быть точной, то это авторский повтор, а подлинник погиб при пожаре. Об этой истории стоит рассказать подробнее.

Автор: Админ

"Нормандию" называли плавучей выставкой французского декоративного искусства: там были зимний сад, сад с экзотическими птицами, кинотеатр и множество предметов современного европейского искусства. "Охота" входила в серию панно на тему мужских игр и удовольствий. Кроме охоты, художник изобразил сцены рыбалки, сбора винограда и объездку дикой лощади. Панно выполнено в традиционной японской технике "уруши" - лакирование, которой Жан Дюнан обучался у переехавшего в Париж японского художника Сейзо Сугоара. Лак защищал панно от воды, огня и даже от электрического разряда.

Автор: Админ

Примечательно, что "Нормандию" спроектировал русский инженер Владимир Юркевич, эмигрировавший после революции во Францию. Его проект трансатлантического лайнера был признан лучшим среди конкурсных работ, т.к. им была предложена оптимальная форма корабля, позволявшая при меньших затратах топлива развивать большую скорость. Благодаря этому "Нормандия" получила "Голубую ленту Атлантики" как самое быстрое судно в мире.

С начала Второй мировой войны, после сдачи Франции немцам, "Нормандия" была арестована и оставалась у берегов Америки. В феврале 1942 года на судне произошёл пожар. Лайнер стали заливать водой, из-за чего оно накренилось набок и стало тонуть. На тот момент в Америку перебрался и Владимир Юркевич, хорошо знавший устройство своего судна. Он предлагал доступный и простой способ, при котором можно было посадить "Нормандию" вертикально на дно, что избавило корабль от повреждений, и облегчило его последующий подъем. Но американские власти проигнорировали советы Юркевича, и судно бесславно погибло. А вместе с "Нормандией" затонули и все предметы искусства.

Кадр из фильма Хичкока "Диверсант", на котором виден полузатопленный, со срезанными трубами лайнер "Нормандия"

Автор: Админ

Возможно поэтому, став профессором Колумбийского университета, при всем сложном отношении с родиной, свои архивы он завещал Санкт-Петербургу, хотя американцы и желали заполучить эти документы для своих библиотек.

Итак, развитие стиля ар-деко было прервано Второй мировой войной. По экономическим причинам ни о каких дорогих материалах, вроде слоновой кости, бронзы, поделочных камнях не могло быть и речи. Об ар-деко даже успели подзабыть, пока, как это иногда случается, у коллекционеров и любителей снова не проснулся интерес к искусству "ревущих двадцатых". Вторая волна интереса к стилю ар-деко пришлась на 1960-е годы. В разных странах стали появляться общества, музеи, научные учреждения, занимавшиеся сохранением наследия ар-деко не только в предметах декоративно-прикладного искусства, но и в архитектуре. В 1966 году на вновь возрожденной выставке в парижском "Musee des Arts Decoratifs" ("Музее декоративных искусств") официально утверждается термин "ар-деко". Теперь и в Москве есть свой музей, посвященный этому стилю, где вам точно понравится. Кстати, именно в московском музее хранится самое большое собрание работ признанного мастера французского арт-деко Дмитрия Чипаруса. И об это стоит поговорить отдельно. Продолжение следует.

Адрес музея:

Москва, Лужнецкая наб., 2/4, стр. 4

Все фотографии альбома Музей Ар Деко

2017-01-19